Periodos de Goya

FRANCISCO JOSÉ DE GOYA Y LUCUENTE

Periodos de Goya

Nació en España el 30 de marzo de 1746 y murió en Francia el 16 de abril de 1828. Fue un pintor y grabador. Cuando era joven entro al taller del rutinario José Luzán, donde aprendió el oficio de pintor, aunque por cuatro años solo se dedicó a copiar estampas y después de independizo para pintar por su cuenta.
La vida de goya puede dividirse en cuatro etapas, las cuales se distinguen por su forma y estilo al pintar, además de sus temas y técnicas empleadas
Poco a poco se fue acentuando y caracterizando su estilo, pues lo podemos observar en la primera etapa de su vida donde plasma los caprichos, donde el único tema plasmado es una fantasía personalizada y un compromiso ideológico, siendo una sátira hacia las costumbres de su tiempo.
En 1771 el arte de goya decayó ya que no tiene respaldo, también perdió los concursos de la Academia de San Fernando, aunque si inspiración era de grandes maestros como Simon Vouet, Carlo Maratta y Carreggio. Esto hizo que Goya viajara a Roma donde su pintura evoluciono.

Pintor de Cámara
Podríamos decir que esta es la primera etapa de Goya, en esta época él ya tenía un reconocimiento y su pintura era más académica, también diseñaba tapices como “El quitasol” “Carlos III” y Las majas.

Quitasol

Goya

Goya, F.  (1777). El Quitasol (Óleo sobre lienzo).
Forma parte de la serie de cartones para la Real fábrica de tapices de Santa Bárbara, destinada para la decoración del comedor del Infante Carlos príncipe de Austria en el Palacio Real del Prado (1a etapa).
Obra costumbrista. Aparecen dos figuras, una jovencita vestida a la moda francesa y un criado "cortejo", estilo Rococó.
Está compuesta por un triángulo casi equilátero, en el que se enmarca la joven, con esto se expresa una gran seriedad y por otro lado el joven en un óvalo donde su cara tiene mayor realce.
Para mí es una obra muy bella, donde se muestra una escena costumbrista en la que hay un cortejo, colores claros y luminosas. Nos representa un espacio agradable exótico y sensual
Desastres de la guerra
Goya ya está sordo, y la guerra no para, él sale a las calles a pintar escenas de esta guerra desastrosa, como “El fusilamiento del 3 de mayo”. Estando Goya presente en la escena hace un cuadro representando la atrocidad de este día, también pinta el otro lado como los “aquelarres” que hacia las mujeres y “el entierro de Sardina”


Los fusilamientos del 3 de mayo

Goya

Goya F. (1813-1814) Los fusilamientos del 3 de mayo (Oleo)
Obra perteneciente a los desastres de la guerra, donde España se quería desprender de la dominación francesa, por eso pertenece a la segunda etapa.
Goya nos muestra una perspectiva en primer plano de los fusilamientos como si él hubiera estado ahí. Nuevamente usa la iluminación como centro de atención para darle importancia a lo que él quiere que el espectador se fije.
Vemos la lucha del pueblo español y lo cruel de la guerra con sus consecuencias.
Este cuadro tiene un hermano que se llama el 2 de mayo donde Goya pinta lo que le contaron, pero lo expresa de una manera tan precisa que nos da la visión de estar ahí presentes.



La vida costumbrista

Esta etapa abarca gran parte de la vida de Goya y diferentes temáticas como son los caprichos, las tauromaquias y las pinturas negras, podemos ver pinturas como “el Cacharrero” representando la vida y las costumbres de esa época.

El  cacharrero

Goya

Goya F. (1779) El Cacharrero (Óleo sobre lienzo cartón). 
Destinado a formar parte del comedor de Carlos IV entonces príncipe de Australia.
Obra dividida en dos términos el, primero muestra a un cacharrero y tres mujeres. Este término está más iluminado quedando en penumbra el rededor, y el segundo término nos muestra un coche de caballos donde baja una dama que se ve a través del cristal. Pero lo interesante es el sentimiento del autor en la composición de la carroza en la llanta.
Escena costumbrista, se podría decir que pertenece a la tercera etapa de la Goya
Obra en la cual se destaca una de las costumbres del pueblo, con colores claros. Saliendo de la Edad Media con todas sus técnicas e influencias, poniendo un estilo propio tirando a la modernidad.
El viejo
Esta fue la ultima etapa de su vida, cayó en la demencia senil y sumada a su sordera perdió totalmente su sentido de la realidad, y esto fue expresado en su pintura, como lo podemos ver en sus ultimas obras "Coloso" y "duelo de garrotazos" a esta ultima etapa también se le llamo disparates.

Saturno devora a sus hijos

Goya

Goya F. (1819-1823). Saturno devora a sus hijos (Oleo sobre barroco trasladado a Lienzo).
Pertenece a la cuarta etapa o el Sordo. Cuando el artista se queda sordo y empieza a sufrir de demencia senil.
Representa al titán crono en el acto de devorar a uno de  de sus hijos. Según la mitología romana cronos se comía a los hijos que tenía con Rea su mujer, por miedo de que le quiten el trono.
Es una pintura negra con estilo expresionista, donde ya no vemos los colores claros sabido  usar por el artista, sino que nos da estas nuevas pinturas conocidas como pinturas negras.
Yo veo un poco de su locura en la pintura , ya sea basada en mitología o no. Goya nos da una nueva forma de pintura totalmente diferente a la cual pintó en su vida. Y podemos ver el inicio de lo contemporáneo.

Bibliografía: 
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Francisco de Goya. Biografía. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Recuperando de: https//www.biografiasyvidas.com/monografia/goya/
Vargas, S. (12/08/2019). 6 de las obras maestras más famosas de Francisco Goya. Recuperado de: https://www.google.com/url?sa=t&source=web&rct=j&url=https://mymodernmet.com/es/francisco-de-goya-pinturas/&ved=2ahUKEwis3pmZxZDoAhWIVN8KHV8KDTsQFjAzegQICxAB&usg=AOvVaw2FLHwHTqBTPnGv6kbWmQ6u&cshid=1583865389210
Historia del arte. (2017). Francisco de Goya. Recuperado de: https://historia-arte.com/artistas/francisco-de-goya 

Autores renacentistas y sus obras.

DURERO ALBERTO

(Albrecht Dürer; Nuremberg, actual Alemania, 1471 - id., 1528) Pintor y grabador alemán.
Es uno de los representantes del renacimiento y representa la renovación fuera del territorio cultural de Italia. Su vida corre en paralelo a la de los personajes más reconocidos como lo es Leonardo Da Vinci y el Bosco .

Mientras Leonardo representa el modelo al que Durero aspiró durante toda su carrera, El Bosco representa el modo contrario, influido tan solo por el arte de los países bajos, también busca la renovación pero sin caminar por las vías  de la antigüedad o del humanismo. 

Alberto Durero es el nombre que se le dio en la Corte Española, donde se castellanizó su difícil apellido germánico. Por último, el modo más directo que tendremos de encontrar la marca de Durero será en sus propios cuadros y grabados, donde frecuentemente escribe su monograma, una elegante "A" mayúscula que encierra la "D" de su apellido. Con las iniciales construye un símbolo estético y característico de él, que fue reproducido en aquellos que copiaban sus obras para que parecieran aún más auténticas. 

Como era habitual en la época, al construir sus estudios realizó un viaje, que lo llevó a diversa cuidades de Alemania y a Venecia en 1494, cuidad a la que regresaría entre 1505 y 1507 y en la cual recibiría varias influencias como  de Andra Mantegna y de Giovanni Bellini, Previamente había contraído matrimonio y abierto un taller en su Nuremberg natal, donde se dedicó a la pintura y sobretodo al grabado. A esta época pertenecen las series de grabados "El Apocalipsis, La GRan Pasión y La Vida de la Vigen, convencionales en cuanto a temática pero revolucionario por lo que se refieren a su complejidad en técnica. La minuciosidad es precisamente uno de los rasgos destacados del estilo de Durero. 

Después de la segunda estancia en Italia, pintó algunas obras muy grandes tales como "El martirio de los diez mil, en las que incorporó la riqueza del colorismo veneciano en composiciones de gran dinamismo y repletas de figuras También por ese entonces pintó las figuras de tamaño natural de Adán y Eva, pieza clave de su creación artística.

Obras

Autorretrato: 1498, Óleo sobre tabla, 52 x 41 cm, Sala 055B del Museo del Prado.

Durero se retrata como un gentiluomo, con todas las características de la época, desde la vestimenta, hasta pequeños detalles como el color gris de los guantes propios de una alta clase social, vestido con tonos claros y sus mejores galas.

Cuadro realmente bello por su complejidad, además de ser un autorretrato y la dificultad en hacer esta ejecución para cualquier artista.

Lo orgulloso de su obra lo ponemos ver en la inscripción que dejo, escrita en Aleman, “1498, lo pinté según mi figura. Tenía yo veintiséis años Albrecht Dürer”

…En 1636 el Ayuntamiento de Nüremberg regaló esta tabla y un retrato del padre de Durero a Carlos I de Inglaterra, en cuya almoneda la compró David Murray, quien la vendió al embajador español Alonso de Cárdenas para don Luis de Haro, que en 1654 se la regaló a Felipe IV. Figura en el inventario del Alcázar de Madrid en 1686. Ingresó en el Real Museo en 1827… (Silva Maroto, P. en: El retrato del Renacimiento, 2008, p. 280). 

Adán y Eva:  Adán, 1507, óleo sobre tabla, 209 x 81 cm y Eva, 1507, óleo sobre tabla, 209 x 80 cm. 

Las dos tablas de no pertenecen a lo habitual de la época ya que no tienen un sentido religioso, sino más bien, es el estudio anatómico del cuerpo. En este tiempo Durero estaba muy interesado en el estudio de las proporciones humanas.

En los cuadros estampa las figuras de los primeros hombres de la humanidad rodeados de animales y vegetación, en el paraíso terrenal, con una relación gestual entre ambos. Podemos observar como es puesto en segundo plano el árbol del bien y el mal sin perder la importancia bíblica y la hermosura de Eva como de una Venus. Aquí vemos la influencia del renacimiento italiano que adopto en su visita a Venecia.

Los cuatro Apóstoles: 1526, San Juan y San Pedro, óleo sobre tabla 215 x 76 cm, San Pablo y San Marcos, óleo sobre tabla 215 x 76 cm.

En esta obra vemos el resultado de toda la experiencia e influencia que tuvo Durero en su carrera, como los pequeños detalles como las tonalidades usadas con influencia de Venecia, pero sin dejar a un lado la esencia de sus raíces.

…Cada uno de ellos representaría, asimismo, el hombre, sus edades, los cuatro temperamentos clásicos, si bien no hay unanimidad sobre qué temperamento personificaba cada uno de ellos. En la hoja izquierda aparece San Juan joven y sanguíneo, acompañado por san Pedro flemático, con la espalda encorvada por los años; a la derecha quedaría el activo san Marcos colérico; con san Pablo melancólico, grave e inquebrantable…(Wikipedia, 2019)

Martin Grünewald

Alemania 1480 – Halle, 1528, fue un pintor, considerado uno de los más grandes exponentes del renacimiento en Alemania. No se sabe su fecha de nacimiento exacta. Pero su primera obra es fechada en 1503. Fue nombrado pintor de la corte en 1509, pero tuvo que abandonar esto por tu inclinación hacia la revuelta campesina en 1525.

Su obra más relevante es la que se encuentra en el altar del monasterio de Isenheim, Esta obra tardó tres años en terminarse Aproximadamente en la misma época cuando Miguel Ángel terminó los frescos dela Capilla Sixtina, está representa las revelaciones místicas de Santa brígida de Suecia.

Las composiciones religiosas Matthias representa de una fuerte expresividad dramática a través de la intensidad cromática y la agitación de las líneas. Por último, finales del siglo XIX fue rescatado por las vanguardias del olvido.

Los datos sobre su vida y obras son muy escasos, se sabe que se casó con una mujer judía y que probablemente su creencia religiosa allá sido luterana, además de su fuerte inclinación hacia la revuelta indígena.

Obras

Retablo Heller: 1507 – 1509, Óleo sobre tabla. 

La pintura fue creada por orden de Frankfurt Jakob Heller para la iglesia Dominica, la cual fue pintada por Alberto Durero, el cual se encargó de la parte interna y Matthias Grünewald que se encargó de la parte externa. Esta obra contiene un panel central que representa la Asunción y la coronación de la virgen; la parte externa de la pintura fueron pintados por diferentes personas Incluyendo a Matthias, y el implemento la técnica grisaille, la cual es ejecutada en diferentes tonos de grises, sólo en grises. Esta parte de la obra incluye a 8 representantes de Santos. 

Retablo de Isemheim: 1512 – 1516, Temple y óleo sobre madera de Tilo. 

Esta obra se encuentra en una capilla de un convento de orden religiosa Antonina. La cual era un Hostal para atender a los pacientes de diferentes enfermedades, ya que en el siglo 16 había una crisis por Europa debido a la distancia entre la religión y la política además de las epidemias de peste sífilis y hambruna. Este cuadro que consta de 10 partes transmite una serie de significados religiosos médicos y políticos Donde las escenas de crucifixión y resurrección representan un proceso curativo. Esto se usaba para que los pacientes calmaran su sufrimiento al ver por todo lo que había pasado Cristo y consolarse una resurrección.

Virgen de Stuppach:  1514 – 1519, Tecnica mixta sobre tabla, 186 x 150 cm. 

1. 

Es la tabla central del retablo Aschaffenburger, representando a María con el Niño. Actualmente se encuentra en la Parroquia de la Asunción de María de Stuppach, dentro del municipio de Bad Mergentheim, estado de Baden-Wurtemberg (Alemania) y, junto al Retablo de Isemheim, es considerada obra maestra de Grünewald. (Mendosa, s.f) Fue un encargo por el canónigo Kaspar Schantz, se desarrolló al mismo tiempo que el retablo de Isemheim, por ello su similitud.

Lucas Müller Viejo

Lucas Müller, Cranach, hoy Kronach, actual Alemania, 1472 - Weimar, id., 1553. Fue un pintor renacentista, en su etapa inicial se puede ver claramente la influencia de Alberto Durero presente en varios cuadros religiosos, sus primeras obras conservadas datan de 1502 en Venecia, ahí decidió cambiarse el apellido al de su ciudad natal. Fue nombrado pintor de corte desde 1505 hasta 1550, por esto se trasladó a Wittenberg, ahí se destaca no solo como pintor si no por y ciudadano desempeñando diferentes cargos políticos. Su representación artística fue inclinada hacia la reforma protestante, indicada en la serie de retratos de Martin Lutero. El estilo de la obra de Cranach se establece en 1515 y desde ahí sufrió pocos cambios, Lucas es muy reconocido por los retratos que hacía a diferentes personas de alta importancia en la época.

Obras

Cupido quejándose a Venus: 1509, Óleo sobre lienzo, 213 x 102 cm. Adquirido por National Gallery de Londres en 1963.

Un dato curioso es que este cuadro perteneció a Adolfo Hitler, la obra muestra a cupido que se ha robado un panal de miel y le pone la queja a la Venus por las picaduras recibidas.

Retrato Lukas Spielhausen: 1532, Óloeo y oro sobre haya, Museo metropolitano de Arte de Nueva Youk.

Es el retrato de un miembro de la corte electoral de Sajonia, Spielhausen era un abogado en 1531 en la curia judicial estatal bajo Johann the Constant y aproximadamente tiene 39 años es el retrato

La fuente de eterna juventud: 1546, Pintura al óleo, 122,5 x 186,5 cm. Gemaldegaleria de Berlin, Alemania.

El cuadro está dividido en 2 partes muy marcadas, separados por la venus. Este cuadro representa uno de los grandes mitos de toda la humanidad la cual es la fuente de la juventud eterna y así alcanzar la inmortalidad.

Hans Baldung

Hans Baldung, llamado Grien; Gmünd, actual Alemania, h.1484-Estrasburgo, actual Francia, 1545. Pintor dibujante y artista gráfico alemán un Aprendiz de Durero, pero a diferencia de su maestro, Hans optó por el gusto por los colores brillantes y la distorsión voluntaria de las figuras. En Friburgo ejecutor retablo mayor de la catedral, y ésta es considerada su Obra maestra. Sus obras son de carácter religioso, mitológico, alegórico, retratos y también diseño vidrieras y tapices. Pero el estilo que destacó más entre todos estos fue sus características mecánicas.

Obras

Las dos Brujas: 1523, Óleo sobre tabla, 65 x 46cm. Museo de Sädel, Alemania.

Esta obra se desarrolla en el renacimiento antes de la Reforma de Martín Lutero, por eso este tipo de representación de 2 hechiceras preparándose para ir al aquelarre.

Eva, la serpiente y la muerte: 1510 – 1530, Óleo sobre tabla, 63 x 32.5 cm. Galería Nacional de Canadá, Ottawa.

En esta obra podemos apreciar. La iconografía tan original y deslumbrante que trabaja Hans En este panel los cuerpos son de Gran escala, y utiliza colores pálidos en el primer plano y oscuros en el fondo. Este cuadro es una representación de la caída. La cual la conforman una serie de grabados en madera y pintura.

Las edades y la muerte: 1541 – 1544, Óleo sobre tabla, 151 x 61 cm. Museo del Prado.

…La muerte sujeta a una mujer mayor que, a su vez, intenta arrastrar a una joven voluptuosa que parece resistirse. Tiene en sus manos un reloj de arena y una lanza quebrada, sobre cuyo extremo inferior apoya la mano de un niño muerto. Detrás, un árbol seco, y en la lejanía un paisaje desolador, con una torre infernal y demonios torturando a unos hombres. El único elemento esperanzador es la figura de Cristo crucificado dirigiéndose hacia la luz (la Gloria), representada por el sol que se abre paso entre las nubes. En el borde inferior una lechuza, hasta el siglo XIX símbolo tradicional de la sabiduría, mira al espectador advirtiéndole de las consecuencias de la caída en el pecado… (Museo del prado, S.F.)

Bibliografía

Cremades, F. C. (s.f.). Museo del Prado. Obtenido de Adan y Eva (Durero): https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/adan-y-eva-durero/d1a4fc99-8dcd-457c-9ec7-f551b245eaf3

El guia. (20 de Junio de 2017). La fuente de la juventud, Lucas Cranach el Viejo. Obtenido de https://arte.laguia2000.com/pintura/la-fuente-de-la-juventud-lucas-cranach-el-viejo

El Pais. (28 de Marzo de 2008). Una obra maestra de la National Gallery de Londres perteneció a Hitler. Obtenido de https://elpais.com/cultura/2008/03/28/actualidad/1206658805_850215.html

Fernandez, T., Ruiza, M., & Tamaro, E. (2004). Biografia de Alberto Durero. Obtenido de Biografias y Vidas. La Ensciclopedia en linea: https://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/durero.htm

Fernandez, T., Ruiza, M., & Tamaro, E. (2004). Biografia de Hans Baldung. Obtenido de Biografias y vidas, la enciclopedia biografica en linea: https://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/baldung.htm

Fernandez, T., Ruiza, M., & Tamaro, E. (2004). Biografia de Lucas Cacranach. Obtenido de Biografias y vidas, la enciclopedia biografica en linea: https://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/cranach.htm

Fernandez, T., Ruiza, M., & Tamaro, E. (2004). Biografia de Matthias Grünewald. Obtenido de Biografias y vidas, la enciclopedia biografica en linea: https://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/grunewald.htm

Mendosa, A. d. (s.f.). Router You. Obtenido de Virgen de Stupp: https://www.routeyou.com/es-de/location/view/47887870/virgen-de-stuppach

Morin, V. (Septiembre de 2018). El retablo de Isenheim: religión, arte y medicina. Revista Medica de Chile, vol.146 no.9. Obtenido de El retablo de Isenheim: religión, arte y medicina.

Museo del Prado. (s.f.). Autoretrato Durero. Obtenido de https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/autorretrato/8417d190-eb9d-4c52-9c89-dcdcd0109b5b

Museo del Prado. (s.f.). Las Edades y la Muerte. Obtenido de https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/las-edades-y-la-muerte/d5ef2c3e-48d1-40a8-8bb7-745314a1197c

O'Field, S. (3 de Julio de 2012). El aquelarre de Sause. Obtenido de Las dos brujas (Hans Baldung "Grien"): http://elaquelarredelsauce.blogspot.com/2012/11/las-dos-brujas-hans-baldung-grien.html

Piedrahita, L. (21 de Diciembre de 2008). Letras Anonimas. Obtenido de Durero Cuatro Apostoles: https://www.elcolombiano.com/blogs/letrasanonimas/%E2%80%9Cdurero-en-su-autorretrato-con-piel%E2%80%9D/2029/durero-cuatro-apostoles

The Met 150. (s.f.). Lukas Spielhausen. Obtenido de https://www.metmuseum.org/art/collection/search/436033

Wikipedia. (s.f.). Wikipedia The free Encyclopedia. Obtenido de Eva, la serpiente y la Muerte: https://en.wikipedia.org/wiki/Eve,_the_Serpent_and_Death

Wikipwdia. (28 de Junio de 2018). Wikiperdia, the free Encyclopedia. Obtenido de Retablo Heller: https://en.wikipedia.org/wiki/Heller_Altarpiece

Wikipwdia. (31 de Agosto de 2019). Wikipedia. Obtenido de Los cuatro apostoles: https://es.wikipedia.org/wiki/Los_cuatro_ap%C3%B3stoles

Los Hunos. ----- Taj Mahal ----- En el nombre de la rosa.

LOS HUNOS.

Historia.-

Los hunos fueron una tribu bárbara que invadió Italia en el año 451. Aun que, a inicios del siglo V se consolidó su imperio y ya eran conocidos por los romanos. Una tribu de origen oscuro, (a la cual se le relaciona con los xiongnu, una tribu China), se le atribuye que fueron una raza desleal, salvaje, cruel, voluble y muy apasiodana por el oro; que vestían con pieles de ratón salvaje o cabra, que comían raíces y carne cruda, que carecían de viviendas y de dioses, por ello no se satisfacían con nada y no poseían escrúpulos; aunque eran considerados muy buenos guerreros.
En el siglo IV dominaban extensiones de tierra entre los ríos Don, Volga y Danubio, junto con los mares Báltico y Negro. Habían sometido a los Germanos, Alanos y Sármatas al paso de sus conquistas. Allí encontraron un Imperio romano ya dividido en Oriente y Occidente desde hace un siglo.
Luego de haber sido expulsados por el imperio Chino, y apartados por su muralla, se mezclaron con otros grupos que vivían en las estepas rusas. Con la llegada de los hunos, el imperio romano de occidente se vio siendo asediado por los pueblos bárbaros que querían invadir el territorio. Eran violentos invasores maestros en estrategias militares, los mejores jinetes y excelentes arqueros.
Tuvieron varios enfrentamientos a partir del siglo IV, iniciando con el ataque hacia los Alanos, luego avanzando hacia el río Dniéper donde derrotaron a los Ostrogodos en el año 370, y por último en el año (376-382) comenzaron la guerra gótica contra los Visigodos.
Sin embargo en el año 378 éstos últimos se rebelaron contra los romanos, saqueando varias ciudades y derrotando al en ese entonces emperador Valente. Lograron extenderse por los Balcanes. El caos fue aprovechado por el rey de los Hunos, Rua, a quién atacó con tal fuerza que provocó que el rey Teodosio II hiciera un pacto de la entrega de 160 kg de oro por la paz. Al morir el rey Rua dejó su trono a sus sobrinos Bleda y Atila, ellos reanudaron la paz a cambio de duplicar el tributo anual.

"Prisco de Panio, quien conoció a Atila, lo describe como un hombre bajo, robusto, de gran cabeza, ojos hundidos, nariz chata, barba rala y de costumbres austeras."
Así, los hunos se dirigen al este, desde el mar Negro hasta el mediterráneo, con políticas más agresivas, atacando ciudades y derrotando a los romanos en las batallas, al finalizar cercaron Roma, la capital del imperio. Lastimosamente su expansión tuve límite en el imperio romano de occidente.

Cosmovisión.-

La religión de los hunos es muy poco conocida, se la llamaba "Tengrianismo". Tenían una especial al caballo, y lo consideraban una de sus figuras sagradas (se conoce de sobra lo buenos jinetes que eran, se decía que unos hombres aprenden a montar caballo y que ellos nacían montados en él). Fuentes romanas suelen referirse a los hunos como individuos carentes de dios y moral, sin creencia en el valor otra vida aparte de la suya; aunque se conocía que tenían algo parecido a chamanaes o brujos en su tribu, especializados en la adivinación a partir del examen de restos y huesos de animales. 

Se interesaban por oro, para adornos, a pesar de la fama que se otorgó a este imperio por parte de los romanos, y a su rey Atila, según algunos historiadores los hunos fueron un imperio de expansión y colonización, sí, más sin embargo se define a Atila como un lider muy pacífico, con suntuosos cantidades de requisas, las cuales eran utilizadas únicamente en fechas importantes.

Bibliografía.-

- EcuRed. (2019). Hunos (etnia). Recuperado de: https://www.ecured.cu/Hunos_(etnia)

- National Geographic. (21/feb/2017). Atila, rey de los hunos, la pesadilla de Roma. recuperado de: https://historia.nationalgeographic.com.es/a/atila-rey-hunos-pesadilla-roma_6288/7
- Latoire, D. (26/feb/2019). Los hunos y Atila. Recuperado

 de: https://archivoshistoria.com/hunos-y-atila/

TAJ MAHAL

Construido entre los años 1631 y 1654 en la ciudad de Agra, India, a orillas del río Yamuna por el emperador musulmán Shah Jahan de la dinastía mongol, a lo contrario de lo que muchos creen el Taj Mahal no es un palacio, se trata de un mausoleo (monumento funerario) que lleva detrás una historia de amor.

Se cuenta que cuando Arjumand y Khurram se conocieron, hacia el año 1607, el joven quedó prendado de la joven y se comprometió inmediatamente con ella, a pesar de que solo contaba con 14 años de edad. Y a partir de ese momento, se convistió en el amor indiscutible de su vida.

Sin embargo, la pareja tuvo que aguardar 5 años para la ceremonia nupcial. Tras la boda, Khurram encontró a su nueva esposa con una apariencia y carácter superior a las otras mujeres desu época, por lo que le otorgó el título de Mumtaz Mahal Begum, la elegida del palacio. Ella era descrita como una mujer cálida, sin aspiraciones políticas, que solía intervenir a favor de los pobres y los desamparados. En cuanto a su apariencia, la glorifican como una persona de una suma belleza, gracia, delicadeza y compasión.

A lo largo de su matrimonio de 19 años, la pareja mantuvo una relación estrecha y de gran confianza, y Khurram pasó a ascender al trono como Shah Jaham. Tuvieron al rededor de 14 hijos, de los cuales solo 10 sobrevivieron. De hecho Mumtaz Mahal murió mientras daba a luz al último de ellos en 1631, una niña llamada Gauhara Begum. Fue sepultada temporalmente en un jardín amurallado comocido como Zainabad, construido por un tío del emperador a orillas del río Tapti.
Como cabe suponer, el dolor hizo de la vida de Shah Jahan insoportable. Vistió de luto, reapareció, el pueblo quedó atónito de verlo tán envejecido y demacrado en apenas unos pocos meses. Tenía el cabello canoso, arrugas y caminaba encorvado. Su hija mayor, Jahanara Begum, tuvo que apoyarlo para que retornase las riendas del imperio, y terminó ocupando el puesto de su madre en la corte.

Pero el emperador nunca tuvo intenciones de abandonar a su amada en Burhanpur, de manera que, en 1631 ordenó la exhumación e hizo que Jahanra Begum y su hijo, Muhammad Shuja, lo transportaran en un fétero de oror hasta la ciudad imperial de Agra, donde lo sepultó en un pequeño edificio junto al río Yamuna. Fue entonces cuando el viudo se propuso diseñar un monumento espléndido para honrar al amor de su vida.

Con este fin, convocó a los mejores constructores del mundo y especialistas de la época. Ordenó que construyeran el mausoleo con mármol, el cual fue transportado en carretas tiradas por bueyes, búfalos, camellos y elefantes desde las canteas. El otro material más común es la arenisca roja, utilizada en fuertes y palacios musulmanes de periodos anteriores de Shah Jahan.
Cuenta la leyenda que, terminado en 1653, el emperador cegó y apuntó las manos de los arquitectos y artífices de la obra, para que nada pudiera opacar la majestuosidad del Taj Mahal.

Para las decoraciones, el emperador hizo traer turquesas tibetanas, lapislázuli afgano, zafiros ceilaneses y cornalinas de Arabia. En total, el mármol de la tumba de Mahal quedó incrustado con 28 tipos de piedras semipreciosas y gemas, incluyendo diamantes. Al morir Shah Jahan en  lugar de poseer un mausoleo propio fue enterrado con su amada.

Bibliografía.-

- National Geographic. (20/feb/2018). Sha Jahan construyó el Taj Mahal en recuerdo a su esposa. Recuperado de : https://historia.nationalgeographic.com.es/a/sha-jahan-construyo-taj-mahal-recuerdo-su-esposa_9382

- National Geographic. (9/fen/2019). Las historias que se ocultan tras el Taj Mahal. Recuperado de: https://www.ngenespanol.com/el-mundo/historia-de-amor-del-taj-mahal-india/

EN EL NOMBRE DE LA ROSA

Una de las cosas bellas de esta época es la facilidad con la que cualquiera puede revivir los gustos del cine. Al alcance de la mano está ver una y otra vez una película, sea en el teatro, en casa o en cualquier sitio de la red. Los detalles se pueden observar con calma y la historia adquiere sentido renovado. Con ese espíritu he vuelto a ver El nombre de la rosa.

Dirigida por Jean-Jacques Annaud en 1986, se basa en la excelente novela del mismo nombre, escrita por Umberto Eco en 1980. Eco es un escritor excepcional, que combina la literatura, la historia, la investigación y la academia.  El éxito popular de la película fue grande, tal como había sucedido con la novela. Como pasa  fácilmente con las películas basadas en novelas de alta calidad, la crítica fue con frecuencia dura, señalando que traicionaba el libro, o que no estaba a la altura de la obra literaria.

La película se centra en dos personajes, el franciscano Guillermo de Baskerville y su discípulo el joven novicio Adso de Melk, quienes llegan a una abadía benedictina en las montañas italianas, famosa por su biblioteca, llena de obras únicas, restringidas a los especialistas. Guillermo, ha venido a la abadía para participar en una reunión entre los delegados del Papa y los líderes de la orden franciscana, para resolver problemas doctrinales. Pero el éxito de este encuentro se ve amenazado por una serie de muertes. Guillermo, auxiliado por Adso, se sirve de su inteligencia, de su capacidad de observación y de su sentido común para resolver toda una serie de misterios.  

La inteligencia y los métodos racionales de Guillermo deben enfrentarse a las supersticiones, a la ignorancia, al fanatismo y a la decadencia de monjes, inquisidores y prelados. Se crea, de esta forma, un ambiente de novela policíaca que supera con ventaja a las mejores de Sherlock Holmes.

Es grande el desafío que tuvo que enfrentar Annaud para llevar la novela al cine. El lenguaje de Eco es refinado, la historia es muy rica en detalles y se desarrolla a modo de laberinto, los personajes son diversos, cada uno atractivo y misterioso. El lugar es protagonista en la novela: la abadía, sus espacios y su rica biblioteca medieval, plena de tesoros antiguos, una de las especialidades de Eco. Creo que el director lo ha resuelto todo bastante bien y al final ha descifrado su propio laberinto en forma digna y respetuosa con la novela.

Debo decir que me encantan las actuaciones de Sean Connery. Me impresiona la forma en que ha desarrollado su rica carrera como actor, desde las viejas épocas de James Bond hasta sus recientes papeles de hombre maduro, inteligente, sabio. En esta película desempeña tres roles: el de Guillermo de Baskerville, el del actor maestro que educa a su coprotagonista Christian Slater (el novicio Adso de Melk) y el de lector encantado con la obra de Eco, que va viviendo y descubriendo el sentido oculto de la trama a medida que la recorre.

Slater se deja llevar y en esta forma nos lleva también a los espectadores, que nos unimos a él en la curiosidad por los misterios, en la admiración por la sagacidad de Guillermo y por la calidad artística de Connery, en el impacto y la sorpresa ante la continua novedad que ofrece un sitio lleno de misterio y de extraños personajes, como la abadía.

Esta es una película de laberintos. Un laberinto es un lugar formado por pasajes y encrucijadas, intencionadamente enredadas para confundir a quien se atreva a adentrarse. Es un laberinto la Edad Media, con sus intrincados debates teológicos, morales y filosóficos; lo es la inquisición: quien cae en sus redes, por inteligente que sea, puede no encontrar la salida; son laberintos las mentes de los monjes del monasterio, atormentadas por miedos, soledades, dudas, fanatismos, egoísmos y frustraciones; es un laberinto la abadía, con su compleja estructura ideológica, económica y espacial, rica en imágenes, ritos, cantos, prohibiciones, reglamentos y oficios. El símbolo de todo esto es el laberinto de la biblioteca, que se constituye en la novela en tema central y en la película en rica imagen, como sacada de un dibujo de Maurits Cornelis Escher.

¿Cómo llevar a los espectadores por estos laberintos, de manera que no se sientan derrotados y perdidos en la complejidad? Eco lo logra en su novela con habilidad de maestro consumado, que no pierde el hilo de la explicación, pero que a su vez no hace concesiones a sus alumnos lectores: ellos deben, a su vez, comprometerse con la lectura y meterse en las historias, documentadas pero entretenidas. Más difícil es para Annaud, que solo cuenta con dos horas de atención por parte de los espectadores, en las cuales deben entrar y salir del laberinto. Afortunadamente, el guión y la actuación han estado a la medida.       

Guillermo (Sean Connery) recorre laberintos, como diciendo las palabras del pintor René Magritte: "Lo que tú ves no es lo que yo veo y lo que tú crees que ves no es lo que yo creo que veo". Así, con esta visión de contrastes, Guillermo recorre las mentes y los espacios, capaz de ver lo que está oculto en los laberintos y detrás de los espejos y de visualizar lo que sucede en las mentes tortuosas e indescifrables de los seres humanos. 

En cuanto a su discípulo Adso (Christian Slater), va siguiendo a su maestro, como dice Lope de Vega "Dando voy pasos perdido / Por tierra que toda es aire / Que sigo mi pensamiento / Y no es posible alcanzarle". Lo hace como joven inquieto y admirado, que se pierde en sus propios pensamientos y conjeturas, a la vera de su sabio maestro de mente despierta y superior.   

La fotografía y el maquillaje son memorables. Monjes de caras extrañas, a la vez repulsivas y atrayentes; instrumentos de ciencia y de tortura medieval; escenas de sangre y de devoción; serenos espacios, scriptoriums y templos; estantes repletos de libros incunables; imponentes edificios medievales. Son preciosas las escenas en la habitación de los protagonistas, entrada la noche: Adso se duerme pensando muchas cosas, lleno de preguntas; Guillermo enseña, responde, estudia, planea; la iluminación en claroscuro es una obra de arte. En las mañanas, el alba, las montañas lejanas, son registradas en bellas tomas, poco usuales en el cine, que casi nunca recoge amaneceres.  

El lenguaje y los diálogos muestran diseño, buen trato. Dice Guillermo: "Cuando una roca cae, ya no hay lugar para el diablo"; es decir, la ciencia experimental destruye las explicaciones mágicas y fantasiosas. O, "la distancia entre la visión extática y el frenesí pecador es demasiado corta", para que Adso sepa que hay un equilibrio inteligente en la vida. Y éstas, "a las ratas les gusta más el pergamino que a los sabios", reflexionando sobre la excelsa biblioteca de la abadía, más visitada por las ratas que por los lectores; "Si tuviera respuestas para todo estaría enseñando teología en París", para indicarle a Adso que el hombre de ciencia práctico a veces se queda sin respuestas, ya que no maneja verdades reveladas.

Ha sido un buen ejercicio volver a ver esta película, para recrear el sentido de la búsqueda razonada de las verdades ocultas, con una dosis de humor, con sentido respetuoso por las personas y por los hechos, con curiosidad y propósito inagotables. Pienso que el maestro detrás de estas enseñanzas es Umberto Eco y que  Jean-Jacques Annaud fue su digno transmisor, con la eficaz ayuda de Sean Connery.

La película consiguió un total de dieciseis premios en distintos festivales y concursos internacionales, entre ellos el César de la Academia francesa a la mejor película extranjera en 1987 y dos  Premios BAFTA británicos: uno para Sean Connery como mejor actor y otro para Hasso von Hugo por el mejor maquillaje en 1988.

BIBLIOGRAFÍA:


Martínez, A. (2018). En el nombre de la rosa. Recuperado de: https://www.youtube.com/watch?v=278Xcp9K8dQ 

Audiolibro - La Eneida.

LA ENEIDA

Resumen

Capítulo I.- Virgilio invoca a la Musa y le pregunta cuáles son las causas de la aversión de Juno contra Eneas, y cuáles los designios de la diosa. (El odio de Juno contra los troyanos y su amor hacia Catargo). Eneas sale con sus naves de Sicilia, y después de haber salvado los peligros de una horrorosa tempestad provocada por Juno, pero calmada pronto por Júpiter, aborda en las costas de Libia; luego, por consejo de Venus, se dirige a Catargo y pide asilo a la princesa Dido para él y sus compañeros. Acogidos favorablemente por la princesa, ésta, después de haberles obsequiado en su palacio con un suntuoso festín, ruega a Eneas que le cuente sus infortunios.

CII.- Eneas comienza por relatar el trágico fin de Troya: cómo los griegos, gracias a un gigantesco caballo de madera que habían construido, lograron penetrar en el corazón de la ciudad sitiada, y saquearon e incendiaron palacios y templos a pesar de la heroica defensa de los troyanos; contó cómo murieron Príamo y otros esforzados guerreros; cómo Helena, que iba a perecer a manos del propio Eneas, logró esquivar el castigo; y cómo el héroe troyano, obligado por voluntad de los dioses, a abandonar su patria tierra en compañía de su padre Anquises, de su hijo Iulo y de una muchedumbre de troyanos, hombre, mujeres y niños, que habían logrado huir de la ciudad destruida. 

CIII.- Eneas continua el relato de sus desgracias: Cómo, después del desastre de Troya, mandó a construir veinte naves y se embarcó en ellas con su gente al azar de los vientos; cómo éstos le conducen a Tracia, donde reina Anio amigo de Anquises, y luego de haber ofrecido sacrificios a Apolo, cree que el dios les ordena que vayan a establecerse a la isla de Creta; cómo, apenas se han instalado en dicha isla, se desarrolla una terrible epidemia , averiguando entonces por sus Penates, que han interpretado mal el oráculo de Apolo, ya que este dios  les ordenaba que fuesen a establecerse a Italia y no a Creta; y cómo, después de embarcarse otra vez llegan primero a Epiro y después a Sicilia, no sin haber pasado muchos trabajos y también haber esquivado muchos peligros.

CIV.- Cuando Eneas termina su relato, Dido se siente conmovida por tantas desgracias, y descubre luego la impresión profunda que le ha causado el héroe a su hermana. Juno y Venus se ponen de acuerdo para que esta impresión se transforme en amor. Pero poco tiempo después de haberse celebrado el himeneo, Mercurio, mensajero de Júpiter, viene a ordenar a Eneas que abandone las orillas de Libia y los encantos de Dido, y que vaya a donde su destino le llama, es decir, a fundar una ciudad y un gran imperio en Italia.  Dido suplica en vano al héroe que no la abandone, pero éste quiere acatar la voluntad de los dioses, y durante la noche sale a la mar con su gente. La infeliz Dido, desesperada, se quita la vida. 

CV.- Una tempestad empuja la flota troyana hacia Sicilia, y los troyanos son acogidos otra vez por el rey Acestes. Eneas quiere rendir un homenaje fúnebre a su padre, muerto un año antes en la tierra de Sicilia, y con este motivo se celebra sacrificios solemnes, suntuosos festines y competencias deportivas. Mientras tienen lugar estos últimos, las mujeres troyanas incitadas por la terrible Juno, prenden fuego a las naves para evitar más peligros, pero una abundante lluvia (provocada oportunamente por Júpiter), limita el desastre. Eneas decide, entonces, embarcarse para Italia con todos los hombres preparados, dejando en Sicilia al resto de su gente.

CVI.- Eneas llega a las costas de Itilia, y desembarca en la playa de Cumas. Después de haber celebrado solemnes sacrificios por su feliz arribo, el héroetroyano se dispone a bajar a los infiernos, según la promesa que le había hecho a su padre, y para ella solicita los consejos de la Sibila. Acompañado de ésta, baja a la morada de Plutón, y después de penetrar en el reino de las sombras, llega a la mansión de los felices (hombres virtuosos), a los Campos Elíseos; allí, su padre le describe aquellos lugares deliciosos, le instruye en los orígenes del mundo, le revela la historia de sus descendientes y del imperio romano, y , finalmente le acompaña hasta la salida del averno, hacia la luz del día.

CVII.- Eneas vuelve a sus naves, sigue las costas de Italia, y, después de evitar el promontorio de Circe, aborda en la desembocadura del Tíber; luego envía mensajeros al rey Latino para anunciarle su llegada. El rey del Lacio acoge favorablemente al héroe troyano y le ofrece en matrimonio su hija Lavinia; mas la terrible Juno que ve con mal presentimiento la llegada de los troyanos, incita en Turno, (pretendiente de Lavina), un enojo contra los recién llegados y todo el Lacio se levanta con armas en contra de ellos.

CVIII.- Turno envía un mensajero a Diómedes para solicitar su ayuda en la lucha contra los troyanos, y a su vez, Eneas, por consejo de los dioses, va a pedir auxilio a Evandro, rey de una colonia arcadia, y luego a los etruscos. El héroe troyano recibe de Venus las armas que Vulcano ha forjado por mandato de la diosa, y entre estas armas divinas hay un escudo maravilloso en el cual están grabados los hechos más salientes del futuro imperio romano.

CIX.- Mientras Eneas, ausente, prepara sus alianzas, Turno ataca el campamento de los troyanos, y no habiendo logrado penetrar en el recinto fortificado, trata de prender fuego a las naves, pero Júpiter las transforma en ninfa. Dos jóvenes troyanos, Niso y Euríalo, salen ocultamente del campamento para ir en busca de Eneas, mas son descubiertos por sus enemigos y mueren peleando gloriosamente. Turno consigue penetrar en el campamento troyano, donde causa una terrible carnicería, pero al fin es acosado por los encerrados y, busca huida arrojándose al Tíber.

CX.- Júpiter convoca en el Olimpo la asamblea de los dioses: Venus defiende a los troyanos y Juno a los latinos; finalmente, el árbitro soberano del universo declara que no se inclinará por ninguno de los bandos ó contendientes. Eneas y sus arcadios y etruscos llegan en socorro del campamento troyano, e inmediatamente comienza una lucha terrible, en la cual el héroe troyano se distingue por su audacia.

CXI.- Entre los combatientes de ambos campos media una tregua para retirar los muertos y rendir su respectivo homenaje; durante esta tregua, los latinos se reúnen en asamblea para decidir si han de pedir la paz a Eneas; pero Turno los induce a continuar la guerra, tanto más que Camila, reina de los volscos, viene en su ayuda. La lucha vuelve, pues, a  de comenzar más terrible que antes, y, los latinos y sus aliados huyen en desorden perseguidos por los troyanos.

CXII.- Turno no acepta la derrota y provoca a Eneas en combate singular; éste lo acepta y lucha. Eneas y el rey Latino se comprometen mediante solemne juramento a respetar las condiciones y las consecuencias del combate; pero los latinos quebrantan el tratado y atacan una vez más a los troyanos. Eneas sale herido de este encuentro, más gracias a la intervención de Venus, sana de su herida y vuelve al combate. Un duelo terrible se desata entre Eneas y Turno, concluyendo  con la espada de Eneas en la mitad del pecho de el rey Latino. El punto frío de la muerte se difunde por todo el cuerpo de Turno; exhala su último suspiro de vida, y su alma huye indignada al reino de las sombras.

PERSONAJES:

Eneas
Turno
Júpiter
Venus
Dido
Juno
Turnus
Ascanius
Latinus
Neptuno
Apolo
Minerva
Entre otros.

Bibliografía:

Musicoterapia. (13/10/2016). Música relajante cantos gregorianos| canto de los Ángeles| música de relajación y meditación. Recuperado de: https://youtu.be/NfzbgTwN-04

Virgilio. (1893). La Eneida. Editorial Nacional, México 7 D.F. Traducción directa de Felipe Peyro Carrio.